中国画山水画技法(山水画必备的几项基本功)
(一)建模能力的训练
①塑造身体的能力。②展现空之间的能力。
(2)对自然规律的研究
包括山、水、树、石头、建筑、船、云、流水等。
(c)研究传统技术
“传统、生活、创作三位一体”就是“模仿、写生、创作”。学习传统是景观教学中不可缺少的环节。临摹学习是供参考的，千万不要在自己的创作中临摹。
抄袭分整体和局部。整体容易理解精神，局部容易掌握技法。这两个方面相辅相成，相结合。
(4)专业工具的应用
主要是指对笔、墨、纸、水、色彩等属性的理解和运用。
清代姚远巫峡秋涛图
山水画的基本技法
(一)笔法
国画用笔要求很高，很严格。这些严格的要求就是所谓的“笔法”。
唐朝的张彦远在《历代名画录》中提到“夫形必如笔，夫形必有其全部脊梁。脊梁与形式，依其意，惟依其笔。”
1、笔法原理
自古以来就用笔来谈笔意、用笔原理、用笔手法、用笔趣味。意即主观感受和认知，理即客观规律。意与理的结合产生了法与趣，法是主观与客观辩证统一的产物。李苦禅说，“画到本子上是高度，画到本子上是终极法则。”好的中国画，放在一起看，都是意象。叠钢笔的时候看着它们。都是书法。即“见笔无笔痕”的原理，在于用笔符合自然规律，使人看后感受到形象，而忘了那是用笔的笔痕。
2.用笔的几个要求:平、扁、圆、重、变。
(1)找平，如“锥刮砂”(用力均匀，不打结，不停滞)
(2)圆形，如“折簪”(丰满、圆润、有弹性)
(3)离开，如“屋漏痕”(高度控制，点在一条线上)
(4)重量，如“高山落石”(穿透纸背，穿透木头)
(5)变化，如“百川归海”(变化到极致，回归统一。
(2)墨水法
笔墨不可分，故称“笔墨”。明代莫世龙在《画》中提出:“古人云:有墨之笔，有笔墨二字。很多人不知道，那么画画是不是就没有笔墨了呢？但是，有提纲却没有点穴，就说明没有笔；有针刺之法而无轻重，背靠背而无明，则无墨。”
着墨方法很多，这里分积墨和断墨两种。
1.积墨法。简单来说就是一层一层的加。
主要有三点:
(1)在之一次之后添加第二次。
②第二遍是之一遍的补充和交错，而不是之一遍的重复和描写，结果是各种笔法的衔接和统一。
③每次添加都要保持很强的整体观念。疏的时候就疏，我的秘密就密。
2.破墨法:在前一个还不太干的时候，潮流加另一个使其融化渗透，融为一体，产生生动、和谐、润泽的效果。
只有积墨，易浓而不润，只有断墨，易活而不浓。
(3)颜色法
①彩墨叠加法
②色墨对比法
③色墨混合法
④用水，黄说，“水是用的，不是洗的”。
水是绘画中必不可少的材料。
《邱琳拖杖图》为清代张宇森所作。
山水画的学习步骤
(1)树形方法
树是山水画中非常重要的组成部分。古人云:“画一棵树的功德是一切的一半。”由此可见树木在山水画中的地位。
1.树木的生长规律和表达方法。
(1)早春植树法:枝条要旺盛，枯叶要多，墨汁要流，岩石要麻，苔藓要少。技能包括鹿角、鱼骨、雀和瓜等。
(2)钟春树法:将有活力、嫩枝的树干向上画，点上胭脂和嫩黄绿叶、深绿色。岩石上要铺上小麻布，点上要夹杂小圆点或胡椒点。
(3)吉春树法:基本与中春法相同，只是小枝软而长而旺，点淡绿，岩要长而麻。水平地给苔藓打点。
(4)夏梦树法:树叶茂盛茂密，颜色青翠欲滴。忌红叶，中间可能夹杂一些枯树(枯树)，会显得比较滋润，比较活泼。
(5)仲夏:树木灰暗，降水较多，所以树叶丰满。在云头皴或解索皴画岩石是合适的。
(6)夏季的最后一个月:叶子要旺盛，要下垂。
(7)秋梦:草木渐杀，树要苍劲，小枝要苍老，若叶要壮实，颜色要翠绿黄绿，枯枝要绿墨或红黄。
(8)仲秋:枝多叶少，枝鞘应为明黄色，更似金秋，可挂果。
(9)晚秋:枝条要细而有活力，颜色宜绿或朱。
(10)孟冬:木叶尽去，树上叶子不多，枝干笔要干劲，带淡赭色，枝上沾淡墨。
(11)隆冬:无叶、枯枝、笔杆和古拙僵硬、枝条下垂、淡墨干染、淡赭色墨初染、大斧劈石、少苔(或不苔)。
(12)鸡东:干枝要偏心，枝条要挺拔，小枝要短秃，干枝要用墨染。
书籍与岩石，清代，赵。
2.画树的步骤
一棵树由四部分组成:树干、树枝、小枝和树叶。
(1)树干:一般画树从树干开始，先画左边的线，再画右边的线，这样便于观察大小和位置，两条线要协调。
(2)树枝:画完树干后，再画树枝。注意树的生长规律，就是树枝向四周生长。
(3)、小树枝:画小树枝是树枝的延续。秋冬不画树，不画枯树。如果你用树叶画一棵树，你不必画它。细枝有很多种组织形式。
(4)树叶:树叶是树木的重要组成部分，在山水画中起着重要的作用，尤其是表现树木的丛生。一方面要求树的区别变化和层次感，所以要用不同的叶子来区分，有夹心叶和点状叶的区别，另一方面要用浓淡来区分。无论是夹叶还是点叶，都有各种组织形式。
(2)岩石法
画岩石要注意大小岩石的组织和穿插。画岩石一般分为四个步骤:
1.勾:勾轮廓和结构，这是造型的重要步骤。
2.翘曲:赋予平面的轮廓以体量感和质感，其中包括摩擦。几千年来，历代画家在方法方面都建立了比较完整的体系。总结起来，大致有以下几种方法:
(1)矮皮马滩:以冬春露山为宜，因为冬春植被萧条，树叶基本脱落，岩石坑洞全部露出。用这种方法来表现这种质感。山丘上的苔藓斑应该是小混斑或者辣椒斑。
(2)长皮马法:以展现季春至初秋的景色为宜，因为这里植被茂盛，岩石上全是草。因此，它显示了植被层的纹理。点应该是一个单词或一个水平点。
(3)稻斑裂:表现春天的雨景为宜。画法是先画出轮廓，再用圆点代替开裂，反复进行，由浓到淡。
(4)小米点:表现秋雨场景为宜。
(5)雨滴:表现仲冬的山是恰当的，用笔和画笔的质感。
(6)折叠带:沿河露出岩石为宜，用别针。
3.染色:包括染色和墨水，是让体量感更加突出的延续。
4.点:醒过来，让平淡的画面生动起来。近点是苔藓，远点是树。
古松青山地图
(3)画云画水
中国画讲究知白保黑。云与水在绘画中的作用就在于此。是使画面生动的重要手段。一般云、水不用画，加深会突出周围的岩石、树木。当然，里面需要加上一些动感的线条来体现。
(4)建筑绘画
是建筑山水画不可或缺的重要组成部分，视情况而定。
现场的人和动物也是不可或缺的组成部分。
风景画
(一)山水画写生的意义
“师法自然”是历代山水画家创作的必经之路。它是山水画发展和创新的前提。"生活是艺术家唯一取之不尽的源泉."是山水画基础或训练中最关键的训练。
(2)山水画写生的方法和步骤
1.方法:(1)、素描(2)、回忆(3)、慢慢写。
2.步骤:
(1)场景选择:不是自然界的一切都能画出来，要有选择。
(2)静心观察:选择生活中最生动、最有代表性的事物。
(3)专注力思想:选择事物的表现。
(4)工匠加工①切割②夸张③组织(营业地点)
(5)水墨画:①草稿。②钩住线。③检查。④点染。⑤清理整体。
(6)上色。根据季节和画面的需要。
注意事项:
①一棵树只需要画出它的树干、树枝和小枝。
②忠于自然，但不要照搬。
③落墨之一部分7/10忠实于自然，第二部分13/10忠实于画论。
④重视对中国画散点透视的理解。“山形移步”。
另外，一定要注意线条的运用。如果线条用得好，风景会很有味道。
江城秋芳图
中国画的笔法
毛笔技法就是用笔的方法，包括握笔的方法、笔尖的运用和各种用笔的技法。握笔和笔锋的应用是只谈笔，而各种用笔技法包括笔中有墨，墨中有笔。笔墨水是鱼和水的关系。不沾水不沾墨的干净钢笔是不会显形的。纯水、纯墨不用笔是上不了屏的，泼墨、调色要用笔因情而导。为了叙述方便，将笔法和墨法分开。
写作方法
古人把写作方法总结成五个字:兺,兺,兺,兺,兺,兺和兺。
“微”是指用大指腹按压笔管内侧。“押”是指将食指之一节贴在笔骨外侧，使大拇指内外侧相吻合。“钩”是用中指的之一、二节弯成钩状钩住笔的外侧。“格”是指无名指之一、二节之间的骨节紧贴笔管，强行堵住中指向内的笔管，向外推出。“迪”是指无名指下握小指对中指的勾子。
学会正确的书写方法后，再学习如何活动手腕。使用五字书写法时，要“手指指向真的，但手掌不仅要空，还要立起来。”当你的手掌直立时，你的手腕可以是平的。“手腕平了就可以挂手肘了。
吊腕是将手腕离开桌面，吊腕的运动轴在肘部。其旋转的幅度可以增加。如果要画大型作品，站在案前也必须挂肘。手肘的运动轴在肩膀上，旋转幅度大于手腕。但是，你在画一个工笔人物的五官的细枝末节时，必须把手腕搁在桌面上，这样手指才能稳住，细枝末节也容易描绘出来。
宋林和尚说话图
笔锋的应用
刷子的尖端分为三段，最锋利的部分是尖端，中间部分是刷子的腹部，刷管的连接处是根部。笔分中、侧、正、反。
中心保持笔管垂直，笔尖刚好停留在粉笔线的中间，画出来的线条顺直流畅。中心也叫正面，或者是用笔。中心画的线粗细没有明显变化。拉拔时，压力均匀，行程稳定。如果用力不均匀，有轻有重，线条的粗细就会发生变化。
侧边是笔管不垂直于纸面，笔管倾斜，笔管指向的方向与所画线条的方向有一定的角度。笔尖不在粉线中间，笔尖一侧较轻，笔肚另一侧有毛，有飞白的效果。侧边缘线同时有轻有重，给人一种切割感。
顺丰指笔从里到外(从左到右):从上到下，这样的笔锋是顺势而为，称为顺丰笔。
逆划与顺划相反，也采用逆划。正反笔画都可以反过来。笔往前一推，就被挡住了，散开了，自然就形成了飞白的效果。根据笔的轻重，笔的快慢，画图的效果也不同。
笔尖的使用包括:按、转、假、真、滑、涩、打、戳、擦。
钢笔通常容易出现三种缺陷，即“版”、“刻”、“结”。“版”缺乏腕力，写起来犹豫不决，勾勒出来的造型不准确、不自然、扁平扁平，缺乏立体感。
“刻”，字迹外露，用笔迟缓，转折处有不必要的棱角。
“结”，字迹晚，散的地方散不了，用笔不流畅。
笔触既要服从客观形象造型的要求，同时又要接受画家思想感情的指挥。因此，由于所描绘的对象与画家的个性和感情的差异，会产生不同的笔法和艺术效果。
烟雾、波浪和薄雾图片
(1)立意。意境是艺术作品的灵魂，是作者想要表达的思想感情。意境的高低决定了绘画的道德深度和艺术魅力。如果无意作文，一定要用短文填，胸无大志。构图遵循“意”，才能产生合适的构图来完成作者的绘画意图。
(2)取势。山水画的构图，之一件事就是借势。所谓“势”，就是一个动态的形象。在古代山水画理论中，早就提到:“画大山水，重在得势。”山在方兴未艾，虽有高低，气脉犹贯，树在方兴未艾，虽参与不同，但各是顺畅。水虽然得势，但奇怪不合理，也就是正常。山坡方兴未艾，虽交错但不乱。什么？想当然。“优秀的山水画总是让人感到神韵。但有些画让人感觉像是园林中的假山或盆景，主要是没有表现出山的气势。”潜力”与视角加工有关。有些景物可以通过透视处理表现出它的气势。
(3)客人与主人的关系。一幅画要有主题，突出重点。不要一盘散沙，平均对待，没有主支点。画的主题是主，陪衬是客。确定宾主，不仅要宾主分明，还要相互呼应，而不是各自独立。有客无主，则散；如果有客人没有主人，就没意思了。只有主客之间的安排得当，画面才会让人感觉舒服。
(4)虚实、疏密、轻重的处理。就表现对象而言，一般来说，树是密集的地方，而岩石是稀疏的地方。树是实，云是水是虚。然而，有时，当画面需要时，岩石被视为厚重和坚实，而树木被视为简单和轻盈。一般来说，岩石、建筑物和树木是重的，而云是轻的。但是，有时候还在屏幕上的东西大而轻，在动的东西小而重，这就涉及到轻重平衡的处理了。中国山水画中重量和大小的适当分配，决不能像中国的杆秤那样，为了达到随变化的平衡而取天平秤的平均值。当考虑一幅画的这些方面时，重要的是虚拟和真实的人物。在虚实处理中，画面的四边四角的处理是极其重要的，因为它关系到画面的远近效果，也就是之一感觉。一般应禁止画面图像平行于四边，动态画面为对角线。特别注意四面四角一视同仁的虚实之忌，注意变化。所谓“把白当黑”，就是这个道理。如果岩石是真实的，它们会在被云和烟雾覆盖时消失。再比如水空亮空，可以加上舟岛、倒影之类的东西。我们所说的空，并不是不画，而是没有计划地画，画了还在没画的地方感受。经常用淡墨或干稠墨画想象的地方，用笔要简洁，只要几笔就够了。
(5)透视与光明和黑暗。采用山水画的透视法，作者可以根据自己的创作意图，通过移动视点来观察景物。也就是说，逐渐把视点向前、向后、上下、前后、左右、从山到山移动，一边看，一边画，一边左右看，前后看，把看到的景物集中在一幅画面上，不考虑地平线。就像宋代郭所说的“山形步步为营”“山形相面”。这种动视点的透视，就是山水画的传统透视——散点透视。在实际应用中，不能违背焦点透视定律。一条线要向上，不能向下，近物要大，不能小。否则，你会感到不舒服。
另外，西洋画强调光，光源也来自单一方向，所以是统一的。山水画一般不强调光，光源也不一定要求统一，可以来自很多方面。大部分风景画都是从上到下，或者上侧照明。
(6)三叠两段和开合。古人提到山水画，就说画面可以做“三折两段”。所谓“三折”，就是“一层地，两层树，三层山”。所谓“两段”，就是“风景在下面，山在上面，云在中间，分明分成两段”。“三叠两段”是古代山水画中的构图程序，但不是必须遵守的规则。所以画家要根据自己对自然景观的审美经验，灵活运用，并不是硬性的。
所谓开与合，“开”一般指铺开景物。为了防止场景散乱，要把散乱的点聚集起来，然后突出主体，使之集中。这就是“结合”。其实，开是制造矛盾，关是统一矛盾，大开大合中包含了小开小合。矛盾尖锐，统一得好，画的气势就越大，艺术感染力就越强。总之，在考虑作文时，要因势利导，避免平铺直叙，突出重点；在实际操作中，要注意简单、轻巧、无力。
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